domingo, 28 de abril de 2013

Cubismo: geometría, espacio y tecnología


Picasso. Les Demoiselles d'Avignon
MoMA Nueva York
© 2013 Estate of Pablo Picasso
Artists Rights Society (ARS), New York
La obra de Arthur I. Miller Einstein, Picasso: el espacio, el tiempo y los estragos de la belleza, plantea, desde un punto de vista científico, qué factores condujeron a Picasso a la construcción del cubismo, un nuevo lenguaje que rompe definitivamente con la tradición y abre paso a toda la vanguardia posterior y al arte conceptual. Hemos creido interesante resumir aquí algunos de los puntos que trata Miller sobre los intereses que motivaron a Picasso a una búsqueda más profunda y satisfactoria en la representación de espacio y tiempo. 

El cubismo supondrá un esfuerzo intelectual para todos sus implicados que, como el propio Picasso, buscan en estos momentos liberarse del pensamiento anterior. Los avances tecnológicos y científicos como la fotografía, el cine o los rayos X participan en la conformación de una nueva mentalidad y en la forma de concebir ciencia y arte. Picasso no será ajeno a todo esto y se interesará también por la ciencia de vanguardia que en estos momentos presta atención a la geometría no euclídea y a la cuarta dimensión. El impacto de las geometrías no euclídeas en el pensamiento filosófico de la época será enorme pues cuestionaban la concepción positivista de la ciencia y respaldaba la idea de la relatividad del conocimiento. Lo que se plantea en estos momentos es que, desde un punto de vista intelectual, era posible la existencia de múltiples geometrías en convivencia con la euclídea. Henri Poincaré está en la base de esta idea y en su obra La ciencia y la hipótesis traza un sistema filosófico que conseguía explicar como se pueden descubrir -intelectualmente- cualquier clase de geometría en cualquier número de dimensiones.

jueves, 25 de abril de 2013

El cubismo y la moda

Modelos con diseños de Sonia Delaunay, 1920s.
El cubismo no sólo supuso una revolución en el mundo artístico; también dejó una clara influencia en otros ámbitos, como el de la moda. En 1998, el Metropolitan Museum de Nueva York inauguró la exposición Cubism and fashion, cuyo objetivo era explorar las relaciones que los diseñadores han establecido desde principios del siglo XX con el cubismo en todas sus formas posibles. Como mencionó María en su entrada sobre los Delaunay, los diseños de vestidos con estampados y formas geométricas de Sonia Delaunay serían uno de los primeros encuentros de la moda con el estilo creado por Picasso y Braque.

Durante los años 20 y 30, las formas geométricas se introdujeron con fuerza en el vestuario, especialmente en el femenino, debido a la actividad de diseñadores como Madeleine Vionnet, Paul Poiret, Callot Soeurs o Jacques Doucet, cuyas creaciones reflejan la influencia del cubismo no sólo a través de la geometría, sino también de los colores y la asimetría, además de la reducción del volumen y pomposidad con respecto a la moda del siglo XIX, sentando un precedente para todo lo que ha venido después.

Diseños de Madeleine Vionnet, Callot Sœurs, Jacques Doucet (©The 
Metropolitan Museum of Art) y Paul Poiret (©Victoria & Albert 
Museum). Datan entre 1913 y 1935.

domingo, 21 de abril de 2013

La Section d'Or


A pesar de que Picasso y Braque intentaron evitar que el Cubismo se convirtiera en una moda, lo cierto es que la obra de algunos jóvenes artistas, seguidores de las propuestas de aquéllos, nos obliga a pensar que el Cubismo acabó por convertirse en una práctica generalizada.


Metzinger, Le goûter, 1911
Figuras como Gleizes, Metzinger o Léger, formaron parte de ese grupo de artistas que, en su intento por realizar nuevas propuestas cubistas, colaboraron en la propagación del movimiento, cuya difusión comenzó sobre todo a partir de la exposición en el Salón de los Independientes de 1911. En ella, junto a los tres artistas mencionados, participaron también Juan Gris, Delaunay, Le Fauconnier o Lhote, mientras que los líderes del Cubismo, Picasso y Braque estuvieron ausentes.

jueves, 18 de abril de 2013

El cubismo órfico de los Delaunay


Robert Delaunay,  La Torre Roja, 1912,  
Guggenheim Museum. Nueva York
El nombre de cubismo órfico se debe a Apollinaire, quien creó este término aludiendo al mito de Orfeo, en el cual la luz está en el origen del mundo, como está también en el origen de los cuadros orfistas. La luz hace ver el color, y ambos elementos juntos serán el tema principal del orfismo. Cuando acuñó esta denominación. Apollinaire se refería sobre todo a la serie de Ventanas de Robert Delaunay, pero junto con él, la otra gran representante del orfismo será Sonia Terk, su mujer, que pasará a llamarse Sonia Delaunay.

En 1907 Robert Delaunay descubre el cubismo de Braque y Picasso, y además frecuenta a otros artistas que se ligarán también al cubismo, como Metzinger o Lèger. Apollinaire, en su obra Meditaciones estéticas. Los pintores cubistas (1913), da una especie de  nómina de pintores cubistas, aparte de Picasso y Braque, y entre ellos destaca a Delaunay. Los Delaunay van a reinterpretar el cubismo, con elementos como la reintroducción  del color en sus obras, con experimentaciones y preocupaciones que no estaban presentes en las obras de Braque y Picasso. La importancia del color estará ligada en el orfismo al interés de Robert por  las obras de Seurat, así como a los estudios que los Delaunay hacen de la teoría de los contrastes simultáneos de Chevreul. Además, este color estará necesariamente ligado a la luz, como hemos señalado, y a un cierto dinamismo, que contrasta también con el estatismo del cubismo de Braque y Picasso. Este dinamismo se suele poner en paralelo con el de las obras futuristas y rayonistas. 

martes, 16 de abril de 2013

El Cubismo: dejando su huella incluso antes de nacer.

Con artistas como Antonio de Felipe este hecho se hace innegable: el Cubismo es, le guste o no le guste a uno, una forma estética capaz de impregnar hasta el último recoveco  del arte.

Y es que, incluso antes de que Picasso sentase las bases totales del movimiento, sus obras ya estaban marcando una profecía sobre su gran creación, la facetación de la realidad misma.

Podemos asegurar esto gracias a su maravillosa obra Las Señoritas de Avignon, aquellas que tan poco tenían de señoritas y que, aun cuando todavía se encuentren en el protocubismo, marcan ya un punto de inflexión hacia el camino iniciado por Picasso en esos años.


lunes, 15 de abril de 2013

Estos días escribiremos…


sobre Picasso y sus obras cubistas que desencadenaron toda una revolución en el arte occidental de inicios del siglo XX. La revolución había empezado ya en el año 1907 con las Señoritas de Aviñón pero el “manifiesto” de la nueva concepción del arte se publicó en 1913 por un amigo de Picasso y Braque, el poeta Guillaume Apollinaire. En Los pintores cubistas Apollinaire, recapitulaba en palabras, los propósitos y la manera de proceder de todos los jóvenes artistas que siguieron el camino nuevo que abrieron Picasso y Braque.
Citamos algunos de sus pensamientos que todavía hoy, justo 100 años después, nos conmocionan por su fe ardiente en la transcendencia del arte cubista de sus amigos y contemporáneos, un arte nuevo y rupturista, el arte que habían inventado Picasso y Braque:

Cada divinidad crea a su imagen; así crean los pintores. Los trazos de los artistas son la verdad y fuera de ellos no conocemos ninguna realidad. Pero la realidad no la podemos descubrir una vez por todas. La realidad será siempre algo nuevo

…La grande revolución de las artes la ha acometido Picasso casi sólo, lo que es el mundo y su nueva representación…

…muchos de los nuevos artistas sólo pintan cuadros sin un verdadero tema…Estos pintores, observan la naturaleza pero no la imitan y evitan cuidadosamente la representación de escenas naturales observadas y reconstruidas a través del estudio. La verosimilitud no tiene ninguna importancia, todo se sacrifica por el artista a favor esas verdades, esas necesidades de una naturaleza superior que el artista supone sin haberla descubierto…

…sin los poetas, sin los artistas los hombres se aburrirían enseguida de la monotonía natural…
…lo que diferencia el cubismo de la pintura antigua es que no se trata de un arte de imitación sino de un arte de concepción que tiende a elevarse hacia la creación…

…Nietzsche había adivinado la posibilidad de un arte que toma el universo infinito como ideal, que permite al artista-pintor de dar al objeto unas proporciones conformes al grado de plasticidad al que él desea llegar. Nietzsche había adivinado la posibilidad de este nuevo arte: “Oh Dioniso ¿porque me tiras las orejas? pregunta Ariadna a su amante filosófico en uno de sus célebres diálogos en la isla de Naxos. “Encuentro algo de muy placentero, muy agradable en tus orejas Ariadna: ¿Por qué no son todavía más largas?”…*

*Las citas provienen del libro de Guillaume Apollinaire Les peintres cubistes. Méditations Esthètiques, Genève, Éditions Pierre Cailler, 1950. El libro fue publicado por primera vez en 1913 en Paris por el editorial Eugène Figuière & Cie.

domingo, 14 de abril de 2013

Las cabezas picassianas de Andy Warhol

Andy Warhol. Head (after Picasso),1985.

Las últimas obras de Pablo Picasso atrajeron la atención de numerosos artistas en Nueva York, especialmente a raíz de la retrospectiva que le dedicó en 1980 el Museum of Modern Art, que se anunció como la exposición más completa sobre la obra de Picasso que se había hecho hasta la fecha en Estados Unidos. Este acontecimiento reavivó el interés por la pintura, especialmente en los jóvenes artistas, como George Condo o Jean-Michel Basquiat. Andy Warhol, mentor de éste último, se enfrentó finalmente a la obra de Picasso, a quien reverenciaba desde los años sesenta.

En 1985, Warhol compró la obra de Picasso Cabeza de mujer (1965), y realizó una serie de diecinueve pinturas inspiradas en ésta y otras obras similares. En concordancia con la moda de la vuelta a la pintura, Warhol abandonó para estas obras la serigrafía y las realizó con el pincel. Seleccionó una serie de obras lo más banales posible dentro de la producción de Picasso (sobre todo dibujos, que tomó del famoso catálogo razonado de Christian Zervos), proyectó una transparencia de cada una de ellas en un lienzo, y dibujó sus contornos. Siguiendo un procedimiento casi serial, fue transformando este esquema a su antojo, jugando con los colores y las líneas, reduciendo las imágenes a sus elementos esenciales hasta que dejasen de parecer un Picasso. En una de estas obras, Warhol une cuatro dibujos de Picasso en una sola imagen, como solía hacerlo en muchas de sus creaciones, lo que permite realizar un paralelismo entre la enorme productividad del pintor español y los productos manufacturados de Warhol.
                                                                              

sábado, 13 de abril de 2013

Las femmes fatales de Picasso y De Kooning

P. Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907, Moma
W. De Kooning, Two women, 1951, Collección Steve Martin*
  
En los años 1983-1984, con motivo de unas exposiciones en Nueva York sobre De Kooning y Picasso, se le pidió a Robert Rosenblum escribir sobre los dos artistas. Y el crítico de arte americano, en un breve ensayo titulado Las mujeres fatales de Picasso y De Kooning* escribió sobre la idea de la figura femenina.

De Kooning era 23 años más joven que Picasso. De origen holandés, se estableció en Nueva York a sus 22 años y tuvo la oportunidad de conocer a la obra de Picasso, como hicieron todos los artistas que vivían en la metrópolis americana durante los años 1930-1940, en el Museum of Modern Art del West Fifty-third Street en la Gallatin Colection del New York University del Washington Square o en la retrospectiva de 1939 organizada por Alfred Barr. Si Pollock, Newman o Still intentaron destruir a Picasso alejándose de lo figurativo, De Kooning fue el único que se aferró en la figura humana femenina. En los años 1950-1953 pintaría una serie de mujeres que el mismo describió como: ...female painted through all the ages, all those idols…


viernes, 12 de abril de 2013

Off-Topic. Esto lo pinta hasta un... ratón!


Milton ManetasMichal Migurski ha desarrollado esta aplicación en homenaje a Pollock que nos permite juguetear con la técnica del dripping sin movernos del ordenador y sin mancharnos la ropa.

Mi propio dripping con ratón!
Os invitamos a probarla y de paso a reflexionar sobre en qué se ha convertido el arte en nuestros días y el papel que juegan las nuevas tecnologías. Pintores como Picasso, Pollock o Warhol (¿nunca  has visto "un Warhol" en una reprografía?) han calado de forma más clara en la cultura de masas que otros artistas y de mito han pasado a ser objeto de consumo.

¿Es esto necesariamente perjudicial para el arte? Desde luego entra en conflicto con la idea de su sacralización de los últimos tiempos. Quizás sea inevitable que ocupe otras posiciones, dado que el mismo concepto de "arte" está siempre en continua mutación. 

Y vosotros, ¿qué pensáis?

Por cierto, por lo visto la aplicación está disponible para Ipad.

jueves, 11 de abril de 2013

Picasso en el expresionismo abstracto


John Graham. White Pipe, 1930
NY University Art Collection, Nueva York
El origen del expresionismo abstracto americano sucede en una época convulsa y de transformaciones, tanto en el ámbito político-social como en el cultural. Entre la Gran Depresión de los años treinta y el fin de la Segunda Guerra Mundial, los conflictos y el establecimiento del nuevo orden mundial  desembocarán en una profunda crisis moral que afectará también a la cultura. El mundo del arte en EEUU vive una etapa de renovación, vinculada a la transformaciones que experimenta el propio país y a las instituciones gubernamentales -Federal Arts Projects (FAP)- que junto a la proliferación de museos y galerías, empiezan a promover un arte de vanguardia propiamente americano. Con todo, en esta primera etapa está aún muy presente la influencia de la vanguardia europea del lenguaje cubista y el neoplasticismo de Mondrian en los Artistas Abstractos Americanos (AAA) en su camino hacia la abstracción pura. 

En realidad, aunque coincidían en algunos presupuestos, ninguno de los innovadores del expresionismo abstracto perteneció nunca al AAA. Se aglutinaban en tres grupos: “The Ten” con Rothko y Gottlieb; un segundo grupo en torno a la escuela de Hans Hofmann y un tercero que incluía a Davis, Gorky, De Kooning, John Graham y David Smith. Picasso será realmente importante para los dos últimos grupos. Su método compositivo proporcionó la base para las enseñanzas de Hofmann que se fundamentan en el dibujo de Picasso y el color de Matisse. Para Hofmann eran tres los factores a tener en cuenta a la hora de pintar: la naturaleza y sus leyes, la personalidad, imaginación y intuición espiritual del artista; y el medio y las leyes que le son propias.

martes, 9 de abril de 2013

Off-Topic: Antonio Olano en la vida de Picasso.

 

Sería gracias a Luis Miguel Dominguín por quien este periodista y escritor gallego tuvo la oportunidad de penetrar en el círculo social del afamado pintor, forjando una amistad de más de 25 años. 

Mi encuentro con el maestro fue en su casa de la Costa Azul. El torero me había advertido que sus relaciones eran muy raras y que, pese a que se le anunciaba visita, de pronto podía marcharse de viaje, ponerse enfermo o buscar alguna disculpa para no abrir sus puertas. Pese a todo, se cnvirtió en mi mejor amigo. 

De esta manera penetraba en su vida el que sería encargado de escribir dos de las que se han considerado como mejores biografías del artista; obras, "Picasso íntimo" y "Picasso y las mujeres", donde ofrece una extensa definición de su vida y obra, haciendo declaraciones tales como: 

Picasso entronizaba, deseaba tener "para siempre", pero un para siempre, que, como todo lo definitivo en él, tenía un límite de tiempo

lunes, 8 de abril de 2013

Off-Topic sobre el Guernica

Por cierto, como hemos visto que hay gente interesada por el tema del Guernica os dejamos un documento de RTVE muy bueno sobre la historia de la obra. Está muy bien porque hay testimonios de supervivientes de Guernica, así como una grabación de Picasso hablando en español (posiblemente la única que exista), y alguna otra de personajes como Dora Maar o Josep Renau. Esperamos que lo disfrutéis: La historia del Guernica de Picasso

La retrospectiva de 1939 y su impacto sobre Louise Bourgeois


Louise Bourgeois, cuyo trabajo hemos podido ver en la reciente exposición de la Casa Encendida, se cuenta entre los artistas que visitaron la retrospectiva que el MoMa realizó sobre Picasso en 1939:  "Picasso: Forty Years of his Art". El catálogo de esta exposición se convertirá en un muestrario de la vanguardia europea para los artistas americanos de los años 40 y 50. Esta muestra, organizada por  Alfred Barr,  tenía como fin mostrar la diversidad de las obras de Picasso, creando así ese abanico de posibilidades de vanguardia que tanto sorprendió a artistas como Louise  Bourgeois. Barr ya había optado por subrayar la figura de Picasso en exposiciones previas, como "Cubism and Abstract Art" (con 29 obras de Picasso) y "Fantastic Art, Dada, Surrealism" (con 8 obras del español). Ambas exposiciones, de 1936, son sólo el preludio de cómo el MoMa, en 1938-39, adquiere Girl before a Mirror (1932) y Les Demoiselles d´Avignon (1907). La adquisición de esta última obra se anuncia junto con la exposición, pues Barr sabe que esto aumentará el atractivo de la muestra. Además, con estas dos adquisiciones el Modern consigue tener la colección de Picassos más importante del momento. 
Quarantania, 1941,  Whitney Museum of American Art

Louise Bourgeois, francesa, se trasladó a Nueva York con su pareja, Robert Goldwater. En Nueva York, una joven Louise de 28 años visitó la retrospectiva de Picasso y nos dejó escrita la siguiente impresión sobre la exposición del MoMa: "Habréis oído que hubo una exposición de cuatrocientas obras de Picasso (cuarenta años de trabajo). Era tan bonita, y revelaba tanto genio y una colección tan inmensa de tesoros que no volví a tocar un pincel durante un mes. Me quedé completamente bloqueada.".

En 1940-41 Louise hace dos obras sin nombre que se ha relacionado con la impresión que esta retrospectiva le causó. En ambas obras vemos rostros de perfil (en la imagen de abajo a la derecha, en blanco y negro) que, ciertamente, parecen tomados del vocabulario picassiano. La exposición del Withney Museum propone que también esté en relación con Picasso la escultura Quarantania de Bourgeois, que podría estar directamente inspirada de unas esculturas de Picasso publicadas en los Cahier d´art.


sábado, 6 de abril de 2013

Off-Topic. Mañana en La 2...

ACTUALIZACIÓN

¿No pudiste ver el documental?
No hay problema. Ya está disponible en RTVE a la carta.

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Mañana por la noche en La 2 de RTVE, dan el documental Picasso infinito de Jaume Boix, sobre su relación con la ciudad de Barcelona.

Pablo Picasso y Ramon Reventós en el Guayaba, Barcelona, 1906
© Arxiu Històric Museu Picasso

¡No hay que perdérselo!
Buen fin de semana a todos ;)

viernes, 5 de abril de 2013

miércoles, 3 de abril de 2013

Lichtenstein. El Picasso más Pop.

Conocido es el caso de que Picasso anduvo allá por 1937 por la Rue des Grands Agustins de París, donde instalaría su estudio. Este estudio abrió su puerta tras la Segunda Guerra Mundial a Roy Lichtenstein, que animado por la obra del pintor había querido conocer el lugar donde la había creado. Lichtenstein, abrumado por la emoción y el entusiasmo de tal oportunidad, no cruzó la puerta: empieza así la marca de Picasso sobre el americano.

Picasso ve en el cubismo una suma de destrucciones. Partiendo de un determinado objeto, es posible realizar muchas abstracciones, cada una de las cuales arroje cierta luz sobre la oculta verdad. La realidad es para él la suma de toda posibilidad.   

Picasso atiende a otras culturas, a otro tiempo, mitologiza, Picasso reflexiona.

Picasso dijo en su día para llegar a una abstracción es necesario partir siempre de una realidad concreta…siempre hay que comenzar por algo completo. Luego, despojándoles de todos los rastros de la realidad, ya no habrá ningún peligro porque la idea del objeto habrá dejado ya una impronta indeleble. La realidad es lo que pone en marcha al artista, lo que exalta sus ideas y mueve sus emociones.

Era inevitable, con todo esto no podía menos que admirarle. Su tentación se convierte entonces en encontrar la vanguardia histórica, consagrada a lo eterno por su merecido derecho a conservarse en los mejores museos, pero siempre igual de sorprendente.

martes, 2 de abril de 2013

Max Weber: la llegada de Picasso a Nueva York


Max Weber, Two Figures, 1910
La introducción en Estados Unidos de la vanguardia europea, y en concreto, de la obra de Picasso, se la debemos en buena medida a Max Weber. Este ruso de nacimiento se trasladó con sólo diez años a Norteamérica, donde inició una formación artística que se vería completada en su viaje a París, a donde marchó en 1905. Fue en la capital francesa donde pudo conocer  el nuevo arte que se extendía por Europa: estudió junto a Matisse, conoció la obra de Cézanne y Picasso, y entabló amistad con una de las familias de coleccionistas más influyentes, los Stein.
De vuelta a Nueva York, Max Weber trajo consigo el conjunto de pinturas que había realizado durante sus años parisinos, así como una pequeña colección de arte contemporáneo que incluía una obra de Matisse, copias en blanco y negro de algunas pinturas de Cézanne, y junto a ello, un pequeño bodegón de Picasso. Es gracias a los detalles que de la compra de esta naturaleza muerta recogen algunos documentos conservados, como podemos afirmar que Weber conoció el estudio de Picasso en Bateau Lavoir mientras estuvo en París.

El interés que Picasso despertó en Weber desde el primer momento, no sólo lo podemos comprobar en la adquisición de sus obras, como la que hemos mencionado, sino también en la pintura que el propio Weber realizaría tanto en sus años en París como en los posteriores. En efecto, mientras los neoyorquinos eran casi desconocedores de ese nuevo arte europeo, Picasso, así como Matisse, Cézanne o Braque, despertaron pronto la admiración de Weber, convirtiéndose en importantes referentes para su pintura.


En los próximos días...

En septiembre de 2006, el Whitney Museum of American Art (Nueva York) organizó una exposición que examinaba el papel fundamental de Pablo Picasso en el desarrollo del arte en Estados Unidos durante el siglo pasado.

Picasso and American Art en el Whitney Museum of American Art. Photograph by Sheldan C. Collins.
Picasso and American art, que posteriormente viajó al San Francisco Museum of Modern Art y al Walker Art Center de Minneapolis, se basaba en la yuxtaposición de obras de Picasso con pinturas, esculturas y dibujos creados en respuesta a éstas por un grupo muy heterogéneo de sus contemporáneos y sucesores.

Aunque Picasso nunca visitó los Estados Unidos, sus obras enseguida cruzaron el Atlántico al ser adquiridas por grandes coleccionistas y museos norteamericanos, además de para exhibirse en  importantes exposiciones, como el Armory Show de 1913.

La posibilidad de un contacto directo con las obras de Picasso dejó su huella en varias generaciones de artistas, algunos de los cuales interpretaron abiertamente su estilo o tomaron su trabajo como punto de partida, mientras que otros muchos también se interesaron por el que era considerado el artista más importante del siglo, aunque la influencia de éste no sea tan clara en sus obras.

"Los tres músicos" de Picasso (1921), y detalle de "Colonial Cubism" de Stuart Davis (1954).
Copyright 2009 The New York Times Company
La muestra, cuyo catálogo puede consultarse en la biblioteca del MNCARS, incluía obras de un gran número de artistas, como Max Weber, Stuart Davis, Louise Bourgeois, Arshile Gorky, Willem de Kooning, Jackson Pollock, Roy Lichtenstein, Jasper Johns o Andy Warhol. Seleccionaremos algunos de ellos y analizaremos la presencia de Picasso en su producción artística.

domingo, 24 de marzo de 2013

Picasso, motor de la obra de David Hockney


En este repaso a los pintores británicos que han tomado a Picasso como referente en algún momento de su carrera no podía faltar David Hockney (1937, Bradford, Inglaterra), uno de los artistas que más claramente ha mostrado en su obra la gran admiración que sentía por el artista malagueño.

Hockney entró en contacto con la obra de Picasso en su juventud, llegando a visitar la gran exposición de Picasso que organizó la Tate Gallery en 1960 por lo menos en ocho ocasiones. La muestra no dejó una clara influencia picassiana en las obras del pintor directamente posteriores, pero supuso una importante lección para el británico: que los artistas no tenían por qué ceñirse a un estilo concreto, idea que marcaría el resto de su carrera.

The Student (1973) y Artist and model (1973-74). © David Hockney.
No fue hasta 1973 cuando Hockney presentó a Picasso claramente como su maestro. La editorial alemana Propyläen Verlag promovió, con motivo de la muerte del pintor, la obra Homage to Picasso, para la cual realizaron grabados setenta artistas de diecisiete países. David Hockney contribuyó al proyecto con dos obras muy reveladoras: The Student, en la que se presenta buscando la aprobación de un Picasso elevado a la categoría de ídolo, una imagen que recuerda a L’Atelier du sculpteur de la Suite Vollard, relacionada con la comprensión por parte del artista de la imposibilidad de alcanzar la perfección; y Artist and model, donde Hockney se imagina un encuentro real con su maestro.


sábado, 23 de marzo de 2013

La forma en Picasso y Graham Sutherland


La presente entrada tratará la relación entre las formas de Picasso y Graham Sutherland. Pero antes de empezar y dado que el artista inglés mostró durante toda su vida un particular interés por la vida de las formas, pensé dedicar unas líneas a una hermosa idea de Henri Focillon. Dice pues Focillon a propósito de las puras formas geométricas tal como se manifiestan en el estilo decorativo: "...es verdad que el estilo ornamental existe y vive en función del desarrollo de una lógica interna, una dialéctica que solo vale para si misma. Las variaciones de esta lógica no dependen de una incrustación de aportaciones ajenas, de una selección contingente, sino de un juego de reglas escondidas. Ella acepta, ella demanda las aportaciones, pero siempre según sus necesidades. Lo que le dan es lo que a ella le conviene. Ella es capaz de inventar las aportaciones. Y este es un matiz, una reducción de la doctrina de las influencias que interpretadas desde un punto de vista cuantitativo y tratadas como acción de choque, a veces pesan en los estudios..."*

Graham Sutherland (1903-1980) nació en el Sur de Londres en el seno de una familia respetable de la clase media. En principio estudió ingeniería pero muy pronto la dejó para estudiar arte en Londres. Se dedicó principalmente al grabado y a sus 21 años tuvo su primera solo exposición de dibujos y grabados en la Twenty-One Gallery de Londres. Pocos años después empezó a enseñar pintura en la Chelsea School of Art donde conoció a Henry Moore quien se convirtió en uno de sus mejores amigos y continua fuente de inspiración. Pero realmente, fue el encuentro con Kenneth Clark lo que cambió su vida.

Kenneth Clark el joven y prometedor director de la National Gallery de Londres en 1934 vio en Sutherland un digno sucesor de Turner, Blake y Palmer, un continuador de la tradición de la poética pintura inglesa y le tomó bajo su protección. En parte gracias a Kenneth Clark Sutherland penetró a los círculos intelectuales de Londres y en el verano de 1936 fue invitado por Roland Penrose a participar en la exposición internacional de los surrealistas en Londres. La exposición despertó el interés de Sutherland por el arte contemporáneo europeo. Pero la verdadera revelación vino un año después, con la exposición del Guernica y los dibujos preparatorios de Picasso en Londres en New Burlington Galleries. El propio Sutherland comentó:

miércoles, 20 de marzo de 2013

Picasso en las formas de Henry Moore


En la larga y productiva carrera de Henry Moore (1898-1986), los años 30 significarán su período más creativo y experimental. La abstracción, el avance hacia el biomorfismo, la distorsión anatómica extrema e incluso algunos aspectos del lenguaje geométrico constructivista, contribuirán a ampliar los límites de su pensamiento artístico. Moore participará –junto con otros artistas que comparten su dedicación a los principios de la modernidad– en la creación de un nuevo espíritu de innovación en el arte ingles. 

Él siempre reconoció como principales influencias el paisaje, el cuerpo y el arte primitivo de los que hablaba con frecuencia. Apreciaba también la ruina, sobre todo cuando la naturaleza había empezado a actuar sobre ella. Sin embargo es la forma viva, y en especial el cuerpo femenino, lo que domina gran parte de su obra. El elemento vivo de su obra era tan importante para él que señalaba el momento de creación de la maqueta como el momento en el que la obra cobraba vida.

Durante los años 20 y 30 viaja regularmente por Europa, conociendo así las tendencias artísticas contemporáneas de las que también se empapa a través de diversas revistas de arte. En cualquier caso su influencia más poderosa proviene de dos fuentes en particular: la escultura de Alberto Giacometti y las pinturas, esculturas y dibujos de Pablo Picasso de finales de 1920. Otras fuentes tienen también importancia en su obra, como el trabajo de Brancusi y Jean Arp y el interés que mantiene –al igual que Picasso– por las tradiciones y el arte de culturas tribales, en especial de la oceánica y precolombina. Sin embargo, Giacometti y Picasso inciden en Moore de forma más profunda y con un carácter diferente.

lunes, 18 de marzo de 2013

Duncan Grant, contemporáneo a Picasso


PicassoHead of a Sleeping Woman, 1907, MoMa


 Duncan Grant, Head of Eve 1913, Tate


El artista británico Ducan Grant (1885-1978) fue un gran asimilador de tendencias, y entre ellas, cómo no, encontramos la enorme influencia de Picasso. Aunque Grant vivió un año en París no fue allí donde conoció el arte de Picasso, sino que tuvo el primer contacto con sus obras gracias a los hermanos Stein.

En 1912 conoció a Picasso en una de las llamativas soirées de Gertrude Stein. A través de las obras que los Stein compraban Grant pudo seguir la evolución de Picasso, y se dejó influir de distinta manera por cada uno de sus periodos, desde el rosa hasta las obras más relacionadas con el arte africano. De esta manera se convirtió en uno de los artistas más inspirados por Picasso antes de la Segunda Mundial, aunque después del conflicto fue abandonando su relación pictórica con la obra del español.


sábado, 16 de marzo de 2013

Wyndham Lewis: una visión contradictoria de la obra de Picasso



Considerado uno de los personajes más relevantes del modernismo en Inglaterra, el polifacético y controvertido Wyndham Lewis es figura clave en la introducción de la vanguardia artística en este país. Testigo, gracias a sus viajes por Europa entre 1902 y 1908, de los cambios a los que el arte era sometido, y sus contactos con el Cubismo o el Futurismo, le conducirán a crear y liderar el único movimiento inglés de vanguardia: el Vorticismo.  Inspirado en los dos movimientos anteriores, el Vorticismo apuesta por un arte de geometría angulosa, semiabstracto, de colores llamativos e inspirado en las formas de la arquitectura y la maquinaria. Todo ello con el fin de producir un movimiento cuya apariencia de remolino (vórtice), llevó a Ezra Pound a acuñar el término de este estilo. El Vorticismo, que apenas duraría dos años desde que naciera en 1914, encontraría en la revista Blast el mejor medio de difusión para sus principios teóricos.


El carácter controvertido, provocador y contradictorio de Lewis, no sólo se reflejaría en sus implicaciones artísticas, sino fundamentalmente en su faceta como escritor de novelas y de publicaciones políticas, literarias o filosóficas, que le hicieron ganarse más de un enemigo en el panorama intelectual inglés. Esa actitud polémica hacia la sociedad y cultura de la Inglaterra victoriana, condujo a Lewis a ser rechazado y odiado por muchos, a convertirse incluso en figura maldita, llegando su obra a permanecer oculta o prohibida en varias ocasiones.
Interesado por el panorama cultural europeo, no es de extrañar que Picasso figurase entre las personalidades admiradas por Lewis, sin embargo, tampoco el malagueño se libró de sus críticas. En este sentido, el aspecto contradictorio que caracterizará a Lewis, tiene en el arte de Picasso un buen ejemplo: si por un lado era Lewis fiel reconocedor del talento del pintor español y de su lugar distinguido en el arte del momento, al mismo tiempo temía su influencia negativa, principalmente sobre el arte británico: “The whole of the modern movement, then, is we maintain, under a cloud. That cloud is the exquisite and accomplished, but discouraged, sentimental and inactive personality of Picasso”. Estas palabras, pronunciadas en su revista Blast, son reflejo de la principal crítica que Lewis dedicará a Picasso: en efecto, el escritor inglés opinaba que la pintura del malagueño era “desanimada”, “inactiva”, pues carecía de la energía a la que Lewis y sus colegas aspiraban y que residía en el “vórtice”: “The vortex is the point of máximum energy. It represents, in mechanics, the greatest efficiency”, diría Ezra Pound. 

jueves, 14 de marzo de 2013

Bacon en la Tate: un Picasso desgarrado




Con un asma severa que padeció durante toda su vida, y los problemas y tabúes que tuvo que afrontar a causa de su homosexualidad, siendo rechazado incluso por su propio padre, el arte de Francis Bacon siempre se caracterizó por una fuerza desgarradora.  
  

Su vida es sentimiento, y el sentimiento no puede conducirle sino al mundo del arte de la misma manera que hubiese ocurrido con Picasso.

Aunque fueron contemporáneos (si bien el inglés pertenece artísticamente a la siguiente generación), sus caminos nunca llegan a cruzarse para darles la oportunidad de conocerse en persona. 

Es con tan sólo veintisiete años que conoce la obra de Picasso en la Exposición de Galerie Paul Rosenberg de 1927, lo que le impulsa de modo inmediato a dibujar y pintar, asistiendo en su formación a academias libres, llegando después a tal su influencia, que el propio Bacon declaró abiertamente la importancia de una “línea pictórica postpicassiana”. Según sus palabras, fui a ver la exposición…recibí tal choque que me dieron ganas de ser pintor. '¿Por qué no intentarlo?', me dije.  

martes, 12 de marzo de 2013

Esta semana...

Esta semana seguimos el rastro de Picasso en otros artistas coetáneos al pintor. 

Por su larga vida, la extensión y variedad de su obra Picasso es, sin duda, creador de formas por excelencia. No se puede negar su supremacía en su siglo ni el papel determinante que su pintura jugó en la aceptación del arte moderno. 

Picasso influye en los artistas de su tiempo y lo hace de forma activa: éstos nos se limitan a copiar las formas del genio, sino que las asumen e interiorizan, creando un arte distinto, propio. Así el genio se encuentra en muchos artistas del siglo XX, de forma más o menos evidente, más o menos consciente. 

Francis Bacon.  Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion, ca 1944© Tate. 

Encontrar estas relaciones entre Picasso y varios artistas modernos británicos, es lo que proponía la Tate Britain de Londres en su exposición del año pasado, Picasso & modern British art. La muestra recogía 60 obras del español y analizaba su impacto en Duncan Grant, Wyndham Lewis, Ben Nicholson, Henry Moore, Francis Bacon, Graham Sutherland y David Hockney

Desde aquí queremos también prestar atención a algunos de estos nombres y ver sus vínculos con Picasso. ¡Esperamos que nos acompañéis en el viaje!

Si quisierais ampliar más información sobre esta exposición, podéis encontrar el catálogo en la Biblioteca del MNCARS.

domingo, 10 de marzo de 2013

Los "Guernicas" de Ron English

Hace unos días, Clara incluía en su entrada "Guernica en otra dimensión" la imagen de una de las obras de Ron English como ejemplo de la irrupción del Guernica en la cultura de masas. Creo que los resultados de la obsesión de este artista por dicha obra son muy interesantes, por lo que me he decidido hacer una entrada aparte para examinarlos más a fondo.

 Ron English, Fire in the Fishbowl. ©POPaganda.

La obra del artista estadounidense Ron English (Dallas, Texas, 1966) explora desde los años 80 la creación de imágenes impactantes a través de elementos relacionados con la cultura pop, tomando como referencia principal a Andy Warhol. Su producción abarca diferentes medios y técnicas, como el street art, los carteles publicitarios, la escultura en plástico o las portadas de discos. A menudo se vale de la subversión de las imágenes para cargar sus obras de un sentido crítico hacia la cultura de masas (como en su parodia del payaso de McDonald's), o de una clara intención política, como en el caso de una de sus creaciones más conocidas, Abraham Obama, que tuvo una gran difusión en Estados Unidos durante las elecciones presidenciales de 2008.


sábado, 9 de marzo de 2013

El Guernica y el Graffiti


Picasso, La Guernica, fotografia de Dora Maar
en L´Album Verve, Flammarion, 1987

George Kubler, un grande pensador y historiador del arte del siglo XX, describió los acontecimientos pasados como una categoría de conmociones de magnitud variable cuya existencia se manifiesta a través de señales autoproducidas, semejante a la energía cinética encerrada en masas que no pueden caer. Estas energías experimentan varias transformaciones entre el acontecimiento original y el presente. La interpretación presente de cualquier acontecimiento pasado es, por supuesto, sólo otra etapa en la perpetuación del impulso original*.

La creación de La Guernica por Picasso en 1937 se podría muy bien describir con la ayuda de las palabras de Kubler como equivalente a una conmoción de extraordinaria magnitud, por lo menos en lo que se refiere a la historia de las cosas del siglo XX y XXI. Indudablemente, parte del logro de este singular pintor reside en ser uno de los primeros en crear una obra que podía ser reproducida sin perder en calidad en una época en la que la reproducción se convertiría en un sine qua non de la cultura occidental.


viernes, 8 de marzo de 2013

Guernica en otra dimensión

Lena Gieseke. A 3D Exploration of Picasso’s Guernica. 2008
Es el tiempo el que ha conseguido que la belleza formal de Guernica se acabe imponiendo al propio suceso que lo originó. Lo que eleva a esta pintura a categoría universal, no es la atrocidad de la escena o la descarnada metáfora de un hecho histórico, sino la radicalidad de su lenguaje plástico. Para Sartre el Guernica es “un bello cuadro clásico y mitológico que nos recuerda ciertos hechos, pero que no dice nada de ellos –pues–, transforma el horror en figuras abstractas”. 

Guernica no fue en su momento bien recibido por el gran público ni será bien aceptado por algunos sectores de la crítica afines a las ideas marxistas y socialistas que acusarán a la obra de volcarse hacia formas excesivamente modernas, de falta de concreción y de verdadera significación política. Sin embargo será precisamente este carácter de indefinición el que permitirá que adquiera la dimensión universal que a día de hoy conserva. 

Muy pronto su potente imaginería se populariza, se vuelve incluso clásica y el cuadro se hace inteligible y sensible para todo el mundo. Las propias formas trascienden: no es el tema sino la pintura en sí misma la que cobra valor más allá del impacto emotivo de la escena. Es por ello que la obra permanece en diálogo constante y aparentemente eterno con artistas de toda índole. Su influencia ha traspasado la alta cultura y ha alcanzando la cultura de masas, donde diseñadores, publicistas, street artists, etc, continuamente revisan la obra y producen sus propias versiones, en su mayoría muy alejadas ya del significado político de la obra original, convertida ahora en icono pop.

jueves, 7 de marzo de 2013

Las Elegías de Robert Motherwell y el Guernica

Elegía a la República Española nº 70, 1961,  Metropolitan Museum NY

El artista americano Robert Motherwell (1915-1991) empieza a hacer sus Elegías a la República Española en 1948, y continúa tratando el tema durante más de veinte años. En ese periodo de tiempo realiza más de un centenar de estas Elegías. Motherwell definió la Guerra Civil Española como "el acontecimiento más conmovedor de la época", y sus elegías como "metáforas generales del contraste y la interrelación entre la vida y la muerte". En efecto, estas composiciones de manchas circulares y rectilíneas, en las que predominan el negro y el blanco, no hablan sólo de la guerra española, sino de la guerra en general, algo similar a como se ha entendido el Guernica de Picasso.

La influencia que Picasso y Matisse en Motherwell es bien conocida, y ya había tocado a otros artistas americanos como los de la llamada Escuela de Nueva York de los años 30. La influencia de Picasso en su obra se advierte en cuadros como Spanish picture with window (1941), Pancho Villa, Dead and alive (1943), o en los collages que presenta en su primera exposición individual en "Arts of this Century Gallery".

Las elegías tienen su origen en un boceto en tinta para ilustrar un poema de Harold Rosemberg, The bird of Every Bird, boceto que es utilizado un año más tarde por Motherwell para acompañar el Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías, de Lorca. Finalmente el motivo es tomado para las Elegías, que en un primer momento compone sólo en negro y blanco. La elección de los colores es el aspecto que más se ha mencionado para señalar su inspiración en el Guernica, además de, evidentemente, el tema. También se ha relacionado con la obra de Picasso el juego de líneas curvas y rectas, y sobre todo la impresión que genera la obra, como expresión de las tensiones de la guerra.


miércoles, 6 de marzo de 2013

El "Guernica" y el Pop Art del Equipo Crónica


Con motivo del 25 aniversario de la llegada del Guernica a España, el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) organizó en 2006 una pequeña exposición sobre la serie que en 1969 dedicó el Equipo Crónica a la obra antibelicista más conocida del pintor malagueño. Una exposición que reunió dos serigrafías, cinco pinturas y una fotografía, procedentes del IVAM, la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación “la Caixa”, la Diputación de Valencia y una colección particular madrileña.
                                                             Rafael Solbes y Manuel Valdés

En 1969 la Galería Grises de Bilbao exponía por primera vez la serie Guernica en la que este grupo de artistas de origen valenciano conjugó la obra picassiana con las fórmulas artísticas del Pop Art. El Equipo Crónica tiene su origen en el grupo de la Estampa Popular valenciana, un colectivo que pretendía que su arte, de fuerte crítica social y política, llegara a todo el público posible. De ella se escindirían Rafael Solbes, Manuel Valdés y Juan Antonio Toledo para formar el Equipo  Crónica, que finalmente sería liderado por los dos primeros, después de que Toledo abandonara el grupo sólo un año después de la formación del mismo.                                                         

Activo entre 1965 y 1981, el Equipo Crónica plantea sus intenciones en el propio nombre dado al grupo: por una parte, critica el tradicional individualismo artístico y apuesta por un arte colectivo, en “equipo”, y de esa forma, anónimo; por otra parte, su arte es “crónica” de una realidad, una crítica social y política del momento con la que pretende hacer reaccionar y reflexionar al espectador. Y todo ello expresado de la misma manera que hiciera el Pop Art americano e inglés, es decir, mediante un arte cuyos temas, figuración y lenguaje proceden de la cultura visual de la sociedad: medios de comunicación, cómics, historia del arte…unas imágenes que manipulan y descontextualizan para mostrar, desde un punto de vista irónico y de denuncia, una realidad determinada.